9 эпизодов любимых фильмов, которые изменили для показа в других странах

Кликабол. Всё самое интересное – здесь

Популярные статьи

9 эпизодов любимых фильмов, которые изменили для показа в других странах

Трудно поверить, что в эпоху компьютерных технологий, когда с помощью хромакея можно у себя дома снять кругосветное путешествие, существуют роли, для которых нужно учить текст на 15 языках. И хоть слов там было немного, Вин Дизель справился на отлично. Догадались, о каком мы персонаже?

Мы разобрались, для каких фильмов придется покопаться в интернете, чтобы увидеть оригинальную версию без адаптаций.

Стражи Галактики (2014)

Конечно, все вы догадались о том, что персонаж, говорящий на 15 языках, это Грут.

Железный человек — 3 (2013)

Основным производством картины занимались три компании: The Walt Disney Company (США), Marvel Studios (США) и DMG Entertainment (Китай). В китайский прокат фильм вышел на 4 минуты дольше. В него добавили сцены с местными пейзажами, королевой красоты Фань Бинбин и актером Сюэци Ван, а также скрытую рекламу молочного напитка из Монголии.

Пираты Карибского моря: На краю света (2007)

Активная политическая позиция актера может сильно сократить продолжительность фильма в родной, правда, недружелюбной к нему стране. Так, из китайской версии «Пиратов» удалили большую часть сцен с актером Чоу Юнь-Фатом. Правда, махом удалили еще его декламацию стихотворения поэта Ли Бо, но это уже издержки производства.

Линкольн (2012)

Приятным бонусом к фильму «Линкольн» для проката в странах, далеких от американской культуры и истории, стал видеоряд из черно-белых фотографий и преамбулы, написанной самим режиссером фильма Стивеном Спилбергом. Японцам повезло больше всех. В их прокате фильм начинался с видеообращения Спилберга, в котором он разъяснял личность Линкольна.

Первый мститель: Другая война (2014)

По сюжету фильма Капитан Америка, пропустивший последние 70 лет, составляет список дел, которые помогут ему наверстать упущенное. Часть этого списка во всех версиях фильма одинаковая: тайская еда, «Рокки», «Звездные войны», «Звездный путь» и Nirvana. Остальная часть списка представлена 10 вариантами (каждый — для своей страны). В российской версии его дополняли «Москва слезам не верит», Гагарин и Высоцкий; в британской, — конечно же, «Битлз» и современный сериал «Шерлок»; в мексиканской — «Рука бога» Марадоны и Шакира.

Волк с Уолл-стрит (2013)

В этом фильме Мартина Скорсезе столько раз используется популярное американское ругательство, что для проката в ОАЭ из него вырезали в общей сложности 45 минут экранного времени. Потерял ли фильм эмоциональный градус для зрителей Эмиратов? Скорее всего. Но зато в кинотеатре его можно было смотреть без вздрагивания от каждого резкого ругательства.

Криминальное чтиво (1994)

Иногда, чтобы полностью испортить впечатление зрителей от картины, ее нужно чуть-чуть перемонтировать. И ладно если б в этом был какой-то смысл. Так, в Саудовской Аравии и Объединенных Арабских Эмиратах фильм «Криминальное чтиво» вышел без фирменных перебивок Тарантино, что сделало сюжет гладким и банальным.

Гордость и предубеждение (2005)

Оказывается, в оригинале, показанном широкому зрителю, нет сцены поцелуя Дарси и Элизабет, потому как она не соответствовала концовке романа Остин и могла вызвать негодование у британских зрителей. Этот альтернативный финал режиссер Джо Райт снял специально для американской аудитории.

Титаник (1997)

В Китае перевыпуск «Титаника» в 3D встретил негодование моралистов, которые посчитали сцену с Кейт Уинслет слишком натуралистичной и порекомендовали Джеймсу Кэмерону актрису чем-нибудь прикрыть. Режиссер уважительно отнесся к этому замечанию и согласился видоизменить сцену для китайской аудитории.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Роковая примета

Абдулов ушел в расцвете лет – ему было всего 54 года. И все же считать его судьбу трагической не стоит, ведь она была к нему благосклонна десятки раз, даже когда он ходил по краю.

Особой радости от рождения третьего отпрыска родители не испытывали: зарплата у отца, театрального режиссера в Тобольске, была небольшой, и он не видел смысла в увеличении потомства. Жизнь будущему актеру спасла ошибка врачей. Они заверили родителей, что на сей раз точно будет девочка, и те решили сохранить беременность.

Детство

Ребенком он рос неспокойным: учебу прогуливал, любил подраться. В одной из потасовок разозленный противник даже метнул в Сашу нож. Клинок пролетел всего в паре миллиметров от виска Абдулова.

О том, кем он хочет стать в будущем, Саша даже не задумывался. Его первым серьезным увлечением была музыка. На гитаре он играл песни «Битлз», носил длинные волосы,как у «ливерпульской четверки», и вечерами пропадал во дворах. Чтобы заставить непоседливого Сашку учить уроки, старшему брату даже пришлось насильно его постричь. Мера подействовала: пока грива не отросла, Абдулов-младший сидел дома.

Потом статного и сильного юношу увлек спорт: долгие годы он занимался фехтованием, даже получил звание мастера спорта СССР.

Москва и первая любовь

Отец надеялся, что хотя бы один из сыновей пойдет по его стопам и свяжет свою жизнь со сценой. Сначала в театральный вуз пытался поступить старший, но провалился. Затем покорить сцену пробовал средний, и снова неудача. Наконец, настал черед Александра. Чтобы утешить отца, он поехал сдавать экзамены в Театральное училище имени Щепкина. И. комиссию не убедил. Однако это лишь раззадорило Александра. Как это – он не подходит для сцены?!

Год проработал у отца в театре монтировщиком, а потом снова поехал покорять Москву. Вторая попытка оказалась удачной: Абдулова приняли в ГИТИС, где его педагогом стал Иосиф Моисеевич Раевский.

Большой город подарил актеру и первую большую любовь. В 1973 году на танцах он познакомился с Татьяной, студенткой медицинского института. Высокая стройная блондинка с легкостью похитила сердце малоопытного парня.


Ради встреч с ней Александр стал прогуливать занятия. Ветреную девушку это вполне устраивало, она даже снабжала ухажера липовыми справками о болезни. Обман раскрылся неожиданно – в деканате заметили, что на медицинских документах совершеннолетнего Абдулова стоит штамп роддома, где и работала медсестрой Татьяна. Скандал был громким, и Александр оказался на грани отчисления. Но судьба вновь ему улыбнулась: объявили выговор и простили.

Абдулов помчался к Татьяне, чтобы отметить эту удачу, но. застал ее с другим. Потрясение был настолько сильным, что несчастный парень решил покончить с собой. «Я закрылся в комнате общаги и вскрыл себе вены, – вспоминал Абдулов. – Долго смотрел, как кровь течет на пол, а потом потерял сознание. »

Очнулся горе-самоубийца в больнице. Ему повезло: сосед по комнате вернулся в общежитие раньше обычного. Почуяв неладное, он выбил дверь и вызвал скорую.

Ирина Алферова

Эта попытка суицида была в биографии Абдулова не единственной. В 1976 году в Ленкоме артист увидел Ирину Алферову. Невероятно красивая и женственная актриса сразу покорила Александра. Вместе с Ириной Александр пережил многое – творческие взлеты и падения, смерть близких. Однако в 1993 году Алферова заявила, что они должны расстаться. Ирина мечтала о тихой семейной жизни, а он не мог отказаться от бесконечных актерских пирушек, «приключений» и увлечений на стороне.

Решение жены стало шоком для Абдулова. Ведь он думал, что они вместе навсегда, тем более что супруги венчались в церкви. В приступе отчаяния он снова решил уйти из жизни. Сел в машину, разогнался до бешеной скорости и. отпустил руль. В аварии актер уцелел, а свои попытки покинуть этот мир позже комментировал с грустью: «Дурак был. Что тут добавишь?»

Опасные игры с судьбой

Третий смертельно опасный случай произошел с актером прямо на съемочной площадке. В картине Эльдара Рязанова «Тихие омуты» он должен был объясниться девушке в любви, бросившись на капот ее машины. В какой-то момент съемок ситуация вышла из-под контроля, автомобиль покатился вперед и столкнулся с другим авто. Абдулов оказался зажат между двумя бамперами. От боли актер не мог даже кричать. В больнице врачи успокоили друзей и родню – жить будет, серьезных увечий нет.

Окончить свой жизненный путь актер мог и под водой. «Как-то раз я нырял под Севастополем, – рассказал он в одном из интервью. – Увидел интересный грот, решил заплыть, а назад вывернуть не смог! Думал, все. Еле развернулся, содрав плавки и кожу!»

Абдулов не раз испытывал судьбу и за покерным столом. «Играть в карты, пить водку и курить меня научила Татьяна Пельтцер!» – всегда со смехом подчеркивал актер.

Абдулову часто везло – однажды он выиграл за ночь полмиллиона рублей, но потом. всего за час их проиграл. В другой раз встал из-за стола с кушем в 30 тысяч долларов. «Покер – это своего рода тот же театр, – любил повторять Абдулов. – Здесь каждый тоже играет роль. Играет тонко, зная психологию людей в совершенстве». Со временем Александр Гаврилович даже был избран почетным президентом Московской федерации спортивного покера.

Смертельный диагноз

Последнее десятилетие своей жизни Александр Гаврилович был настоящим трудоголиком. Пробовал себя и как сценарист, и как оператор, и как режиссер, снимался в пяти-шести фильмах в год. Свое профессиональное безумие объяснял просто – хочешь все успеть, живи по максимуму сейчас: завтра может и не наступить.

Последняя роль актеру выпала в фильме с жутковатым названием «Ниоткуда с любовью, или Веселые похороны». В этой ленте Владимира Фокина он сыграл художника без родины, больного раком. Распрощавшись с Фокиным, Абдулов приступил к реализации собственного проекта – ленты «Выкрест». Однако во время съемок в Крыму ему стало плохо: в очередной раз обострилась язва желудка..

Перед операцией доктор спросил у него, кому позвонить в случае его смерти. Придя в себя, Абдулов первым делом попросил принести ему телевизор и пачку сигарет. Конечно, дымить в больнице запрещено, но для известного актера сделали исключение. Побороть пагубную привычку Александр Гаврилович пытался не раз, но от стресса неизменно набирал вес. В итоге решил: будет курить и жить на всю катушку, а там будь что будет.

Все в той же севастопольской больнице у артиста обнаружились другие серьезные проблемы со здоровьем. Обеспокоенный, он спешно вылетел на обследование в Израиль. Там Александр и услышал страшный диагноз – рак легких. Оперировать смысла нет, стадия последняя, четвертая.

«Прощальный» 2007 год стал для Абдулова максимально плодотворным. Он снялся в телесериалах «Ленинград» и «Капкан», в мелодраме Говорухина «Артистка». Наконец, взялся за «Гиперболоид инженера Гарина» -телеверсию культового творения Алексея Толстого.
В самом начале 2008 года, 3 января, легенды отечественного кино не стало. После себя он оставил более 140 выдающихся актерских работ. Похоронили Александра Абдулова на Ваганьковском кладбище Москвы.

. После смерти актера появилась новая версия причины его преждевременного ухода – злой рок, который Абдулов навлек на себя сам. Якобы в день похорон отца он положил в гроб к усопшему фотографию семьи. «Это грех! – заметил кто-то из присутствующих. – Теперь будут умирать все, кто запечатлен на фото. » Абдулов тогда не поверил, решил, что это просто суеверие, но уже через два месяца при загадочных обстоятельствах на улице был убит его средний брат Владимир. Брат по отцу Юрий скончался незадолго до самого актера. И, наконец, Роберт Крайнов, сын матери Абдулова от первого брака, ушел из жизни в 2011 году.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

9 эпизодов любимых фильмов, которые изменили для показа в других странах

Детективный триллер Уилльяма Фридкина («Французской связной», «Изгоняющий дьявола»), посвященный гей-круизингу: коп в исполнение Аль Пачино, чтобы найти серийного убийцу гомосексуалов, отправляется в путешествие по злачным притонам Нью-Йорка (разумеется, под прикрытием). Но чем глубже он увязает во всем этом, тем сильнее начинают размываться границы его гендера.

Гомосексуалам фильм, кстати, сильно не понравился. Критикам, строго говоря, тоже. «Разыскивающий» номинировался на «Золотую малину» — и стал одной из тех картин, что забили последний гвоздь в гроб Нового Голливуда (впрочем, до триумфального провала вестерна «Врата рая» ей все-таки было далеко). Что тут скажешь: из сегодняшнего дня этот фильм смотрится совершенно иначе.

Это восхитительная и жутко недооцененная картина про кризис сексуальной и социальной идентичности. Стоит сказать, что и сейчас «Разыскивающий» выглядит довольно откровенно, чего уже говорить про 80-е. Чтобы избежать присвоения рейтинга X (порнография), Фридкин вырезал из фильма 40 минут (которые Джеймс Франко потом реконструировал в картине «Место действия: кожаный бар»), а на нашем телевидении канал «Россия» в 2007-м (еще не гомофобном) году показывал и вовсе сильно купированную версию. Все дело в том, что сцены однополого секса в «Разыскивающем» разыгрывали не члены Гильдии актеров массовки, а реальные гомосексуалы в гей-барах, которые помогали Фридкину в сборе фактуры, а потом, так уж и быть, выступили статистами. Кажется, именно с них (но уже в пародийном ключе) в «Полицейской академии» были списаны завсегдатаи заведения под вывеской «Голубая устрица».

«Идиоты», «Антихрист», «Нимфоманка» (1, 2)

До того как снять по-настоящему фривольную «Нимфоманку» и порнографический опенинг в «Антихристе» (а также постараться всех убедить в том, что «член Уилльяма Дефо ничем не уступает члену его порно-дублера»), датский проказник и большой провокатор Ларс фон Триер поупражнялся в постановке масштабной и довольной продолжительной оргии в «Идиотах».

Что при этом чувствовали актеры, можно только догадываться, ведь о работе фон Триера с артистами ходят всевозможные легенды. Так, например, Пол Беттани рассказывал такую историю: «Когда я приехал сниматься в «Догвиле», Ларс забрал меня из аэропорта, чтобы отвезти в Тролльхеттен, где проходили съемки. Мы остановились на бензоколонке и зашли в магазин. И тут Ларс спрашивает: «Пол, тебе нужна порнография?». А мы только познакомились! «Что, простите?» — спрашиваю. «Ну, тебе нужны порножурналы?» — «Да нет, я в порядке, спасибо, конечно, Ларс». Тогда он подходит к стеллажу с порножурналами и покупает все сразу. Потом мы приезжаем в отель, Ларс вываливает все 300 журналов мне на пол и уходит. Возвращается через 15 минут с Николь Кидман. «Пол, это Николь». «Николь, это Пол. Николь, посмотри, какая у Пола гора порнографии!».

Но если кому-то действительно интересно, есть документальный фильм о том, как снимались «Идиоты» и та самая оргия.

«Коричневый кролик»

Вызвавшая скандала на Каннском фестивале 2003 года вторая режиссерская работа Винсента Галло, обернувшаяся для него репутационным сальто-мортале. Драму про фрустрированного мотогонщика (в исполнении самого Галло) и его непростые взаимоотношения с мертвой возлюбленной настолько невзлюбил видный кинокритик Роджер Эберт, что назвал ее худшей в истории Канн (впрочем, потом он сместил «Коричневого кролика» с этого пьедестала — и поставил вместо него «Бойню» Брильянте Мендосы, а также похвалил Галло за то, как он удачно перемонтировал фильм). Стоит сказать, что на каннской премьере всех возмутила бессюжетность и затянутость «Кролика», а внимание привлекла четырехминутная (происходящая, правда, исключительно в воображении главного героя) сцена минета, который Хлоя Севиньи делает Галло. В итоге режиссеру пришлось выйти на сцену и извиниться за фильм, в то время как Хлоя (на момент съемок, кстати, состоявшая в отношениях с Винсентом) сгорала от стыда.

«Битва на небесах»

Чемпион по количеству медленных планов, юрист-межународник по образованию и режиссер-метафизик по призванию Карлос Рейгадас («Япония», «Безмолвный свет») слывет мексиканским Тарковским — точнее, его еще более радикальной и бескомпромиссной версией. В его втором фильме «Битва на небесах» (богословском эссе с порнографическими сценами — точнее, с минетом в раю) хорошенькая генеральская дочка Анна (Анапола Мушкадис), точно спустившейся на Землю ангел, сражается за душу ветерана силовых структур, толстяка Маркоса (Маркос Эрнандес), погубившего невинного младенца ради выкупа.

«Клык»

Греческая трагедия Йоргоса Лантимоса («Лобстер», «Убийство священного оленя») с сексуальными перверсиями про родителей, которые растят своих взрослых детей в социальной изоляции, врут им про окружающий мир, называя зомби цветочком, а кошку — лютым хищником, и заставляют старшего сына сношаться с сослуживицей отца семейства. В «Клыке», равно как и во всех остальных своих фильмах, Лантимос использует гротескную (даже трансгрессивную) форму, чтобы рассказать про дисфункциональность любых отношений, построенных на лжи и подмене понятий. Такое кино, конечно, не для слабонервных, оно с клыками.

«Клип»

Не вышедший в прокат сербский фильм (а мы знаем, какие хардкорные фильмы умеют снимать в Сербии), выглядящий побратимом германиковских синема-верите про отвязных старшеклассниц («Все умрут, а я останусь», «Школа», вот это все). История про девушку-подростка Ясну (Исидора Симионович), которая пускается во все тяжкие: экспериментирует с сексом, наркотиками и тусовками. Несмотря на то что это в меру шокирующие кино, чьи-то чувства оно, конечно, может оскорбить (особенно в нашей консервативной стране).

«Жизнь Адель»

Экранизация графического романа «Синий — самый теплый цвет» про лесбийскую любовь и не только. В постановке Абдельлатифа Кешиша («Кускус и барабулька», «Мектуб, моя любовь») есть две чрезвычайно откровенные и долгие сцены однополого секса с участием Адель Экзаркопулос и Леа Сейду, после съемок которых вторая призналась, что они дались ей с трудом.

Читайте также:  8 вещей из фантастических фильмов, которые уже успели стать нашей реальностью

«Любовь»

«Хочу снимать фильмы, состоящие из крови, спермы и слез» — говорит главный герой «Любви», начинающий режиссер Мерфи (Карл Глусман) своей пассии Электре (Аоми Муйок). Это программный тезис принадлежит самому Гаспару Ноэ («Необратимость», «Вход в пустоту»), поставившему чрезвычайно тактильное, эротически заряженное и бесконечно уязвимое кино ровно про эти три вещи — ни больше ни меньше.

«Машина любви»

Выросшее из этой короткометражки лирическое порно Павла Руминова, которое так и подмывает назвать его «домашним видео». «Машина любви» — один из лучших фильмов режиссера, если не лучший. Это очень интимная, трогательная и (что главное) остроумная картина про сексуальные отношения Руминова с его реальной девушкой (Наталья Анисимова), а также про альтер эго режиссера — Джеральда. А еще это (несмотря на несимулированный секс и показанные крупным планом гениталии) — настоящее авторское высказывание. Руминов сводит его к тому, что все режиссеры на самом деле снимают фильмы про свой член, даже если они, как Джордж Лукас, снимают про звездолеты. В общем, чего не занимать «Машине любви», в отличие от массы другого откровенного кино, так это неиссякаемого запаса самоиронии.

«Выходной»

Один из самых вызывающих фильмов 40-го ММКФ, до этого взволновавший зрителей «Сандэнса-2018», — мрачный режиссерский дебют шведки Изабеллы Эклеф про то, как красотка Саша (Виктория Кармен Сонне из «Зимних братьев», которая до этого снялась в не менее хардкорной короткометражке «Melon Rainbow» ) отдыхает в компании богатого папика и его друзей (членов ОПГ) в Турции, но стоит ей пофлиртовать с яхтсменом-голландцем, как дела принимают серьезный оборот. Саша подвергается сексуальным и психологическим издевательствам со стороны своего спонсора — при этом центральная сцена изнасилования подана, как в «Необратимости»: максимально подробно. Впрочем, оторопь вызывает даже не это, а то, что, согласно режиссерской концепции, ген жестокости (главным носителем которого является криминальный патриархат) оказывается заразным — и вот уже тихая Саша, найдя того, кто слабее его, пускает в ход всю свою агрессию.

Фильмы, которые были запрещены к показу в разных странах мира

На протяжении всей истории кино местные и государственные органы власти многих стран запрещали показ отдельных фильмов в кинотеатрах. Это может показаться нарушением свободы слова в отношении режиссёров, но некоторые из этих фильмов были запрещены по уважительным причинам (не все, но других совсем немного). Известен, по крайней мере, один случай, когда сам режиссёр решил ограничить просмотр своего собственного фильма. Независимо от причин, споры по поводу запрещённых фильмов всегда интригуют и часто приводят к появлению свои собственных драм.

Фильм «Заводной апельсин», снятый Стэнли Кубриком, показывает насилие и жестокость в Великобритании будущего. Главный герой фильма, очаровательный психопат Алекс Делардж, проделывает путь от преступной жизни к излечению от тяги к насилию.

Выпущенный без купюр в Великобритании в 1971 году, фильм вызвал споры по поводу массовых сцен насилия на экране. Вскоре британская пресса начала писать статьи о появлении «подражателей» героям фильма, после этого Кубрик снял фильм с проката. Это продолжалось до 1973 года, когда фильм прибыл в Соединённые Штаты. В США фильм не вызвал больших споров, поскольку действие фильма разворачивается в Британии.

Всё это время люди в Великобритании продолжали считать, что этот фильм прославил насилие и вызвал взлёт преступности в стране. В 1973 году голландская девочка была изнасилована мужчинами, которые пели «Поющие под дождем» – так же, как это делает Делардж в кинофильме. После этого Кубрик вырезал из фильма 30-секундный эпизод, чтобы получить в США рейтинг «R» вместо «Х» («X» – на сеанс не допускаются лица, не достигшие 17-летнего возраста, «R» – лица до 17 лет допускаются в сопровождении родителей).

«Заводной апельсин» был запрещён в Великобритании в течение 27 лет, в 2000 году на британских экранах снова появилась полная версия фильма. Снятый по одноимённому роману фильм искажает взгляды на общество и до сих пор заставляет зрителей морщиться в некоторых местах.

2. «Лицо со шрамом: Позор нации»

Не следует путать фильм 1983 года с участием Аль Пачино с фильмом, который планировал выпустить на экраны продюсер и режиссёр Говард Хоукс ещё в 1932 году. Этот фильм изображал насильственные преступления гангстеров в 1930-х годах и был запрещён к показу в нескольких штатах США и нацистской Германии. Запрет был окончательно снят лишь в 1979 году, после чего фильм попал в полное распоряжение американской общественности.

В 1930-х годах гангстерские фильмы были популярны, но по этическим соображениям кинокомпания United Artists не допустила его прокат в нескольких штатах. Демонстрация фильма была также отложена в Чикаго, поскольку именно в этом городе в то время был расцвет гангстерской жизни.

Фильм, снятый по мотивам вышедшего в 1930 году романа Эрмитэджа Трэйла, не получил никаких номинаций. В нём показана бурная жизнь гангстера Аль Капоне, хотя сам Капоне во время демонстрации фильма уже находился в тюрьме.

3. «Житие Брайана по Монти Пайтону»

Выпущенный в 1979 году фильм «Житие Брайана по Монти Пайтону» был запрещён в Великобритании в связи с наличием в нём сатиры на библейские сюжеты. Многие считали, что демонстрация в фильме еврея, преклоняющегося перед римлянами и позднее распятого ими, высмеивает христианство. В одной из ключевых рецензий на фильм было сказано, что «кинофильму суждено обидеть почти две трети цивилизованного мира. И сильно разозлить оставшуюся треть».

Снятый режиссёром Терри Джонсом, фильм рассказывает о Брайане, который родился одновременно с Христом и которого по ошибке перепутали с Мессией. Группа Monty Python хотела снять пародию на фильмы с религиозными сюжетами, но фильм был воспринят как насмешка над религией в целом.

В Соединённых Штатах этот фильм был запущен в прокат в 1979 году и собрал за первый уик-энд $26376, в то время комедии с участием Monty Python были очень популярны. Но часть населения Великобритании считает, что шутки в фильме заходят слишком далеко и оскорбляют большинство верующих.

4. Документальный фильм Hillary: The Movie

Фильм Hillary: The Movie был выпущен некоммерческой консервативной группой Citizens United в 2008 году как критический взгляд на кандидата в президенты США Хиллари Родхэм Клинтон. Фильм показывает архивные видеозаписи с Хиллари Клинтон, которые, наряду с многочисленными интервью, статьями и докладами, рассказывают о её жизни вплоть до 2008 года.

Поскольку фильм был снят частично за счёт взносов корпораций, Федеральная избирательная комиссия (ФИК) запретила его показывать до окончания выборов 2008 года. Комиссия полагала, что фильм попадает под Закон Маккейна-Фейнгольде, который ограничивал финансирование избирательных компаний корпорациями. Было высказано мнение о том, что фильм предполагается использовать для повышения рейтинга кандидата от республиканцев.

Когда Citizens United подала в суд на решение Федеральной избирательной комиссии, судья низшей инстанции рассмеялся над этим бесперспективным делом. Но дело «Citizens United против ФИК», в конце концов, прошло через все инстанции вплоть до Верховного суда США, где стороны вступили в дискуссию по вопросу о свободе слова и вкладах корпораций в избирательную кампанию.

В 2010 году Верховный суд пятью голосами против четырёх принял решение в пользу Citizens United. Судьи постановили, что, согласно Первой поправке к Конституции, корпорации имеют такое же право на свободу слова, как и отдельные избиратели. Было признано, что запрещение корпорациям использовать свои деньги для реализации своего права на свободу слова является неконституционным.

5. «Последний дом слева»

Фильм режиссёра Уэса Крэйвена вышел в 1972 году. В фильме показано похищение, изнасилование и убийство двух девочек-подростков группой психопатов.

Отвергнутый как Британским советом по классификации фильмов (BBFC), так и Советом Большого Лондона(GLC), фильм не был допущен к показу в Великобритании. В своём письме об отказе BBFC заявил: «Мы не смогли найти никаких достоинств ни в сценарии, ни в сюжете, ни в развитии характеров, которые заставили бы нам почувствовать, что этот сумбурный фильм стоит спасать».

Этот фильм был выпущен небольшим тиражом в 1982 году на VHS, а затем, в 2002 году, он вышел на DVD с вырезанным 31-секундным эпизодом. В 2009 году вышел ремейк фильма, прокат которого в кинотеатрах США принёс более $14 миллионов. С тех пор этот фильм стал считаться одним из «культовых», несмотря на ограничения в некоторых районах мира.

Хотя этот фильм никогда не был запрещён в Соединённых Штатах, компания Disney воздержалась от запуска фильма в широкий прокат из-за неоднозначного изображения афро-американцев. Этот фильм с живыми актёрами и элементами анимации вдохновил компанию на создание популярной «Поющей горы» в Диснейленде.

Фильм до сих пор официально не доступен даже на DVD – из-за стереотипов, которые он изображает. Говорят, что фильм принижает проблему рабства. Он шёл в кинотеатрах в 1986 году, во многих странах он вышел на видео, но Disney никогда не выпускала его копий в Соединённых Штатах.

Компания выпустила только саундтрек к фильму, который входит в комплект CD под названием «Классика Диснея». «Поющая гора» продолжает оставаться одним из самых популярных аттракционов в Диснейленде, даже несмотря на то, что фильм, послуживший причиной её создания, недоступен зрителям на протяжении многих лет.

7. «Техасская резня бензопилой»

Фильм режиссёра Тобе Хупера был рассмотрен BBFC в 1975 году, он был отвергнут из-за обилия насилия и гротескных сцен. Затем он был просмотрен на заседании GLC, который после выреза 28 секунд разрешил фильм к прокату в Лондоне с рейтингом «X». Фильм был одобрен ещё несколькими городскими советами, но многие решили полностью запретить фильм. Затем, в 1988 году, фильм был показан в заключительной программе Лондонского кинофестиваля.

Считалось, что этот фильм был основан на реальных событиях, но Хупер опровёрг эти слухи. Многие страны запретили этот фильм, в других он вышел в урезанном виде.

Хотя фильм не связан с сексом, он очень жестокий и насыщенный. После выпуска «Техасской резни бензопилой» Хупер снял ещё несколько сиквелов к этому гротескному фильму. Фильм до сих пор считается одним из самых страшных фильмов ужасов и изучается на многих кинематографических курсах.

8. «Инопланетянин» (англ. E.T. The Extra-Terrestrial)

Фильм попал под запрет для показа детям в Норвегии, Финляндии и Швеции из-за того, что в нём взрослые показаны как враги детей. Официальный минимальный возраст был определён в Финляндии в 8, а в Норвегии и Швеции в 12 лет.

Тем не менее, этот фильм стал популярным хитом среди американской аудитории, собрав почти $12 миллионов за первый уик-энд своего проката в 1982 году. Аттракцион ET Adventure, созданный Universal Studios стал одной из достопримечательностей Флориды. Сейчас этот фильм уже считается американской классикой и его можно найти во многих американских домах.

В фильме рассказывается о том, как маленький мальчик помогает инопланетянину вернуться на родную планету. В то время как в США фильм был рекомендован для детского просмотра, официальные лица в Норвегии, Финляндии и Швеции сочли, что он может оказать негативное влияние на молодых зрителей.

В течение 11 лет фильм «Экзорцист» был недоступен зрителям Великобритании в связи с характером фильма. Выпущенный в 1973 году, этот фильм изображает 12-летнюю девочку, в которую вселился демон. Обеспокоенная поведением девочки мать обращается за помощью к двум священникам.

Несмотря на то, что этот фильм первоначально получил рейтинг «X» и был показан в кинотеатрах, повторный прокат был запрещён, и он никогда не выходил на VHS, поскольку его могли увидеть юные зрители. Считалось, что одержимая бесом 12-летняя девушка будет слишком неподходящей картиной для потенциальных молодых зрителей, а регламентировать домашний просмотр не было никакой возможности.

В 2010 году в связи с развитием технологий спецэффектов был разрешён выпуск DVD-версии фильма. За прошедшее с 1973 года время появилась возможность для создания спецэффектов ранее недоступными способами, поэтому было решено, что на зрителей, выросших в эпоху новых спецэффектов, фильм уже не сможет оказать столь существенного влияния.

В настоящее время фильм имеет рейтинг «R» из-за крепких выражений и тревожных сцен, он доступен для просмотра во многих странах мира. «Экзорцист» стал считаться «классикой» фильмов ужасов и даже использовался в качестве темы при создании одного из аттракционов Universal Studios.

Фильм «Интервью» с Сетом Рогеном и Джеймсом Франко в главных ролях посвящён комедийному столкновению с Северной Кореей. Несмотря на то, что этот фильм должен был заставить зрителей смеяться, два главных героя выступают в роли наёмников ЦРУ, которые должны убить Ким Йонг Ына, лидера Северной Кореи.

Северная Корея решила, что этот фильм поощряет насилие в отношении своей страны, поэтому он не демонстрировался в ряде кинотеатров. Чтобы не вызвать возмущение со стороны Северной Кореи, большая часть фильма, который был выпущен в прокат, была сокращена и подвергнута цензуре.

Премьера фильма в Соединённых Штатах состоялась в 2014 году, но в том же году его распространение через Интернет попало под ограничения. Многие крупные сети американских кинотеатров приостановили показ фильма из-за угроз со стороны хакеров.

В то время как Рогано и Франко считают, что «Интервью» не пропагандирует насилие, Северная Корея не желает, чтобы кинокомпания Sony выпускала фильм в массовый прокат. Во многих странах фильм можно посмотреть онлайн, но в Северной Корее он не доступен.

10 фильмов, которые изменили документальное кино

«Человек с киноаппаратом», «Олимпия», «Старше на 10 минут» и другие неигровые картины

«Нанук с Севера» / «Nanook of the North». Режиссер Роберт Флаэрти, 1922 год

Поэтическая сказка про отважного охотника Нанука, который старается выжить со своей семьей в жестоких условиях Севера. Он добы­вает пропитание, строит иглу, ухаживает за собаками — зимовка будет долгой

Выход «Нанука» для всего мира стал собы­тием — на волне популярности фильма даже мороженое на палочке стали называть «эскимо» (то есть «эски­мос»). Уже тогда было очевидно, что речь идет о иной разно­вид­ности кино, которое впослед­ствии и стали считать документальным. Хронику и доку­ментальные по сути фильмы снимали и раньше, но никто не мог предполагать, что из «сырой» реальности можно создать художе­ствен­ное произведе­ние, а не просто зафиксировать происхо­дящее на пленку. Флаэрти в духе романтиз­ма Джека Лондона воспевает здесь силу, отвагу и упорство Человека, обуздав­шего Природу и превратив­шего ее из врага в союзника.

Методологически «Нанук» содержит в себе чуть ли не все возможные проти­воречия документального киноискусства. Скажем, Флаэрти вовсе не снимал быт эскимосов таким, какой он есть, потому что к тому времени он во многом соответ­ствовал ХХ веку (эскимосы жили уже не в иглу, а в домах; знали, что такое кино или, например, граммофон). Режиссер предложил своего рода игру: специально для фильма Нанук должен был жить так, как жили его отцы и деды, подобно первобытным людям. Флаэрти, который до того много лет провел рядом с эскимо­сами, разрабо­тал план, и в соответ­ствии с этим слегка намеченным сюжетом Нанук должен был дубль за дублем метать гарпуны или вытесывать из снега кирпичи для иглу. Рядом распола­галась изба-лаборатория, где Флаэрти проявлял, печатал, монтиро­вал фраг­менты и перио­дически устраивал для Нанука и его семьи киносеансы, чтобы показать, что уже снято, и рассказать, как наиболее выгодно быть в кадре. Другими мето­дами снять фильм, вероятно, не получи­лось бы. Например, света и места в малень­ком иглу не хватало, чтобы уместиться там с камерой и сво­бодно сни­мать, поэтому Нанук построил иглу в два раза больше обычного, а потом разо­брал одну стену, и кадр, где его семья просы­па­­ется, сделан на лютом морозе, но зритель об этом не знает.

И все же это именно докумен­тальное кино: «правду жизни» обеспечило то, что зима действительно заставляла героя и его семью всерьез бороть­ся за суще­ствование, а однажды Нанук с Флаэрти едва не замерз­ли насмерть. Постановка, игра непрофессио­наль­­ных актеров (был даже кас­тинг), камера, перед которой все разыгрыва­ется, — и при этом метод длительного наблю­дения и интуи­ция художника, который добивается на экране абсолют­ной естествен­ности для героев придуманной им поэмы о вечном подвиге. Исследователи до сих пор бьются над парадоксами этого первого докумен­тального фильма.

Флаэрти доказал, что неигровое кино может (и, пожалуй, даже обязано) быть авторским высказыванием, а не иллюстративной фикса­цией действительности на камеру. Исполь­зуемый им метод длительного наблюдения и сейчас счита­ется самым уважаемым и даже аристокра­тичным, хотя и нечасто используе­мым: не каждый готов тратить несколько месяцев, а то и лет, проживая их ря­дом со своими героями и вылавливая самые кинемато­графичные моменты. Но, напри­мер, в Перми уже много лет существует международный кино­фести­валь «Флаэртиана», где вся программа форми­руется из фильмов дли­тельного наблю­дения, — и это один из лучших фестивалей в стране по качеству представ­ленных картин.

«Человек с киноаппаратом». Режиссер Дзига Вертов, 1929 год

Зарисовки повседневной жизни Москвы, Одессы и Киева складываются в единый образ мегапо­лиса, но такого, каким его может увидеть только механический глаз

Хронологически это не первый фильм в жан­ре «городская симфония» — родо­на­чальни­ком считается Вальтер Руттман с картиной «Берлин: Симфония боль­шого города» (1927). Но Вертов начал разработку идеи фильма в 1918 году и последовательно шел к нему через этюды в виде выпусков киножурнала «Кино-Правда», поэтические манифесты и теоретические статьи. Полно­ме­тражный фильм «Кино-глаз» (1924), равно как и по­сле­дующие ленты Вертова, вели к «Человеку с киноаппа­ратом», основная идея которого заключалась в том, чтобы дать миру универсальный язык кино. Для этого нужно было, во-первых, отбросить литера­туру — в том числе отказаться от поясни­тельных титров, что и было сделано.

Читайте также:  Блохи дома: как избавиться?

Отказаться от наследия игрового кино: вместо павильона — вся планета, вместо актеров — люди, застигнутые оператором врасплох, вместо сценария — произ­водственный и монтажный план. Фильм нового типа, по Вертову, не относится к искусству, его миссия — отказаться от несовершенного человеческого зрения и довериться киноаппарату, который объективен, вездесущ и способен «ком­мунистически расшифровать мир». Образ города в «Человеке с киноаппа­ратом» — это то, что невозможно увидеть ни одно­му человеку, потому что камера преодолевает пространство (через монтаж), замедляет, ускоряет и разворачивает время, размножает образы до бесконечности — в общем, дает невиданную перспективу.

Методы Вертова основательно подвер­гались критике. В фильме присутство­вали поста­новочные кадры: например, сцена с просыпаю­щейся и одеваю­щейся девушкой. Сюжет фильма был условен и предполагал сценарий с целым рядом чисто художествен­ных решений — так, Вертов использовал цитату из люмье­ров­ского «Прибытия поез­да». Критиков смущало наличие протаго­ниста — собственно кинооператора (кото­рого, стало быть, снимает другой киноопера­тор, — а это опять постановка!). Кроме того, поэтика фильма находилась в русле аван­гардных течений искусства 1920-х годов, так что попытка казаться анти­искусством выглядит несколько странно, и ее можно объяснить только полемическим задором Вертова.

«Олимпия» / «Olympia». Режиссер Лени Рифеншталь, 1938 год

После зрелищной инсталляции, которая откры­вает фильм, нам одно за другим показывают спортивные состязания в рамках Олимпиады 1936 года в Берлине — но так, как этого никто прежде, да и после, не делал

Международный олимпийский комитет (МОК) с 1920-х годов регулярно заказывает режиссерам стран, в которых проходят Игры, официальный фильм. Это строго форматное произведение с большим количеством требований, практи­чески лишающих автора любых творческих амбиций. За эти офици­альные фильмы в разное время брались Милош Форман, Карлос Саура, Клод Лелуш, Кон Итикава и другие легенды кинемато­графа, и не случайно их картины сегодня забыты. Одной Лени Рифеншталь задолго до них удалось сделать невероятное — превратить отчет о спорте в песнь о сверхче­ловеке, а заодно сделать, по сути, первый в истории документальный блокбастер. Создавая фильм по заказу МОК, Рифеншталь максимально задействовала весь админи­стративный ресурс и финансовую поддержку Министерства пропаганды Германии. Съемочная группа почти в две сотни человек превратила все олимпийские объекты в киностудии на открытом воздухе: для операторов рыли ямы на поле, устраи­вались специальные краны, велась подводная съемка. Фильм монтировался два года, что вызывало всеобщее недоумение: кому интересно смотреть на сорев­нования, которые давно забылись? Но Рифеншталь сняла картину не про соревнования, а про олим­пийцев. Начиная с монумен­тального пролога, где античные небо­жители устраивают свои состязания на Олимпе, Рифеншталь вводит образ суперче­ловека. Такого, который преодолел тяготение и научился «летать» — суще­ствен­ную часть фильма занимает замедленная съемка ныряльщиков, прыгу­нов, всадников. Параллельная съемка на несколько камер, смелые ракурсы, невероятные по тем временам панорамы — почти четыре часа экранной поэзии. Чело­век нового типа бегает быстрее ветра, он силен, весел, гармони­чен, красив и неагрессивен — официаль­ный фильм для МОК словно стал иллю­стра­цией к «Зара­тустре» Ницше «Так говорил Заратустра» — философский роман Фридриха Ницше, в котором сформу­лирована идея сверхчеловека. . Показы фильма триумфально прошли в Париже, Цюрихе и Венеции; по нему и сегодня учатся снимать в киношко­лах всего мира, а с его зрелищностью до сих пор не может соперничать ни один фильм о спорте.

«Первичные выборы» / «Primary». Режиссер Роберт Дрю, 1960 год

Члены Демократической партии Хьюберт Хамфри и Джон Кеннеди участвуют в праймериз Праймериз — внутрипартийные, предвари­тельные выборы. , решая, кто из них будет бороться на ближайших президентских выборах

Кадр из фильма «Первичные выборы» © Drew Associates

«Муха на стене» — так шутливо называли свой метод кинематогра­фисты груп­пы Роберта Дрю, каждый из которых впослед­ствии стал большим самосто­ятель­ным режиссером: это братья Альберт и Дэвид Мейзелсы, Донн Алан Пенне­бейкер, Ричард Ликок. Собственно, они все были соавторами выпускае­мых группой Дрю фильмов, последний был больше продюсером и организато­ром. Метод заключался в том, чтобы фиксировать жизнь как она есть при ми­ни­­маль­ном вмешательстве в нее. Для этого одно и то же событие снимали сразу несколько человек с камерами и магни­тофонами, стараясь как можно скорее примелькаться и перестать привлекать к себе внимание, чтобы героям не хотелось позировать. Лучше всего такой метод работает, когда вокруг и так много народа и когда те, кого снимают, слишком заняты делом, чтобы отвле­каться на съемочную группу. «Первичные выборы» стали невероятно удачным опытом: нигде больше нельзя увидеть Джона Кеннеди (он быстро становится главным героем фильма, оттягивая внимание от Хамфри) настоль­ко близко и непосредственно. Никем не заме­чаемая камера, например, обраща­ет внима­ние на то, как трудно будущему президенту и его супруге Жаклин пожимать сотни рук, стараясь искренне улыбаться каждому и находить для него особую интонацию приветствия. Здесь же отчетливо заметно, как харизма Кен­неди работает в реальном времени, превращая его противников в сторонников. В технике «прямого кино», придуманной группой Дрю, — длительного наблю­дения, при котором документалист старается остаться незамеченным, чтобы не вторгаться в происходящее, — осталось множество и других шедевров, среди которых «Кризис» Дрю, «Не оглядывайся» Пеннебейкера, «Коммивояжер» братьев Мейзелс и многие другие.

«Хроника одного лета» / «Chronique d’un été». Режиссеры Жан Руш и Эдгар Морен, 1961 год

Несколько «случайно» выбранных парижан обсуждают свою жизнь и социальные проблемы при участии авторов фильма. Фильм начина­­ется с уличного анкети­рования вопросом «Вы счастливы?» и заканчивается дискуссией с его героями после просмотра готовой картины

Кадр из фильма «Хроника одного лета» © Argos Films

Основная отличительная черта придуман­ного режиссерами cinéma vérité Синема верите (фр. cinéma vérité — букв. «правдивое кино») — экспериментальное направление в кинодокументалистике Франции 1950–60-х. в том, что автор не просто фиксирует действитель­ность, но активно вторгается в нее, взаимо­действует с ней, провоцирует те или иные события — словом, созна­тель­но ее меняет. Сегодня это кажется естественным — хотя бы потому, что чуть ли не все мировое телеви­дение функционирует по наработкам cinéma vérité, но в конце 1950-х все это казалось абсолютным новаторством. Прежде всего, это было связано с техническими сложно­стями: вести синхронную запись изобра­жения и звука в студии было относительно легко, но в полевых условиях кинематогра­фисты наталкивались на ограничения аппаратуры и им прихо­дилось, как настоя­щим инженерам, делать апгрейд своих камер.

В подобных фильмах возникала интимность, недоступная прежде в докумен­таль­ном кино. Так, в «Хронике одного лета» предметом бесед антрополога Руша и социолога Морена с героями становятся не только обществен­ные волнения во Франции, но и холокост, иммигранты, личное одиночество. Одна из самых сильных сцен — когда героине прикрепляют к одежде микрофон и предла­гают прогуляться, говоря вслух с самой собой о том, о чем она не может беседовать с другими участниками фильма. Мы видим ее то круп­ным, то общим планом и слышим словно бы ее внутренний голос. Авторов фильма часто упрекали за то, что они дали не объективный срез парижан, а выбрали социально активную группу, но художе­ствен­ного значения фильма это не снижает. Социологи­чески точнее в этом отношении более поздний фильм cinéma vérité — «Прекрасный май» Криса Маркера.

Cinéma vérité благодаря своей универ­саль­ности, динамизму и пластично­сти остается одним из основных жанров документального кино. Термин этот во всех странах принято произносить не только потому, что он возник во Франции, но и для того, чтобы не путать с вертовской «Кино-Правдой». Руш и Морен назвали свой метод в честь знаме­нитого кино­журнала, подчеркивая, что именно находки Вертова, о котором в 1950-е годы в Европе много говорили и писали, стали для них точкой опоры в поисках собственного языка.

«Собачий мир» / «Mondo cane». Режиссеры Гуалтьеро Якопетти, Паоло Кавара и Франко Проспери, 1962 год

Культурные парадоксы, ритуалы и просто анекдотичные ситуации, отснятые в разных точках планеты, — поразительные свидетель­ства того, что и в «циви­лизо­ванных», и в совсем диких обществах человек одинаково непригляден и заслу­жи­вает только презрения. Фильм сопровождается язвительным закадровым комментарием

15 фильмов, которые изменили кинематограф

Картины, ставшие прорывом в построении сюжета, качестве съёмок и спецэффектов.

1. Броненосец «Потёмкин»

  • СССР, 1925 год.
  • Драма, исторический.
  • Длительность: 75 минут.
  • IMDb: 8,0.

Эпическая картина Сергея Эйзенштейна рассказывает о реальном событии — восстании на броненосце «Князь Потёмкин» в 1905 году. Возмущённые некачественным питанием моряки захватили корабль. Позже мятежные настроения перекинулись и на жителей Одессы. История закончилась расстрелом мирного населения.

Эйзенштейн заслужил славу экспериментатора в кинематографе. И в фильме «Броненосец „Потёмкин“» есть удивительные для того времени визуальные эффекты, например оживающие каменные львы.

Но главное достижение режиссёра в этой картине — виртуозная работа с ракурсами и монтажом. Атмосфера создаётся с помощью крупных планов и показа одного и того же события с разных точек. Эти приёмы полностью погружают зрителя в происходящее.

Именно находки из «Броненосца „Потёмкина“» долгие годы использовали режиссёры, операторы и монтажёры практически во всём мире.

2. Певец джаза

The Jazz Singer

  • США, 1927 год.
  • Мюзикл, драма, комедия.
  • Длительность: 88 минут.
  • IMDb: 6,5.

Джеки Рабинович мечтает исполнять джаз. Но он выходец из иудейской семьи церковного певчего, и родные против его музыкальной карьеры. Пробиться герою помогает влюблённая в него звезда комедии.

Эта картина открыла эпоху звукового кино. Ранее в фильмах использовались только вставки с музыкальными номерами или же фоновые звуки. В «Певце джаза» впервые появились сцены с речью актёров. В общей сложности они длятся около двух минут, не считая нескольких песен. Однако с этого момента немые фильмы постепенно уходят в прошлое.

Иронично, что первой произнесённой репликой в этой ленте стала фраза: «Подождите, вы ещё ничего не слышали».

3. Белоснежка и семь гномов

Snow White and the Seven Dwarfs

  • США, 1937 год.
  • Сказка, мюзикл.
  • Длительность: 83 минуты.
  • IMDb: 7,6.

Экранизация знаменитой сказки от студии Уолта Диснея рассказывает о принцессе Белоснежке, которую хотела убить злая мачеха. Девушке пришлось бежать в лес, где её приютили семь гномов, работавших в алмазной шахте.

Иногда этот мультфильм называют первой полнометражной анимационной картиной. На самом деле ещё в 1917 году аргентинский мультипликатор Квирино Кристиани создал сатирическую ленту «Апостол» длительностью около 70 минут. Тем не менее это совершенно не умаляет заслуг «Белоснежки». Ведь она показала, что дети способны высидеть в кинотеатре почти полтора часа.

Кроме того, мультфильм стал техническим прорывом: студия Disney использовала инновационные технологии, чтобы сделать нарисованных персонажей максимально похожими на настоящих людей. До этого каждое движение героя состояло из десяти промежуточных кадров. В «Белоснежке» число удвоили, и картинка стала более плавной. К тому же ради реалистичности были добавлены вздохи, замахи и прочие мелкие жесты.

Огромные вложения (около полутора миллионов долларов) окупились с лихвой. Картина «Белоснежка и семь гномов» не только помогла укрепить финансовое положение компании, но и открыла дорогу другим полнометражным мультикам, которые позже прославили Disney.

4. Гражданин Кейн

  • США, 1941 год.
  • Драма.
  • Длительность: 119 минут.
  • IMDb: 8,3.

Газетный магнат Чарльз Фостер Кейн умирает в своём доме, произнося слово rosebud («розовый бутон»). Смерть столь известного человека вызывает бурную реакцию общественности, и журналист Томпсон получает задание разобраться в его прошлом.

Режиссёр Орсон Уэллс ещё один экспериментатор мира кинематографа. Его «Гражданин Кейн» открыл эру независимых фильмов, снятых согласно видению режиссёра, без влияния студийных продюсеров на творческий процесс.

Не менее важно, что в этой картине Уэллс отошёл от традиционной линейной формы повествования. «Гражданин Кейн» наполнен флешбэками, которые постепенно раскрывают прошлое главного героя. Без этого фильма наверняка не было бы работ Квентина Тарантино, Мартина Скорсезе и многих других знаменитых режиссёров.

5. Семь самураев

Shichinin no samurai

  • Япония, 1954 год.
  • Драма, приключения.
  • Длительность: 207 минут.
  • IMDb: 8,6.

Япония XVI века. Для защиты деревни от постоянных набегов банды мародёров жители нанимают опытного самурая. Он собирает команду из семи человек и помогает всем сплотиться против общего врага.

Классическая картина Акиры Куросавы стала прототипом множества экшен‑фильмов. Отголоски заметны как в явном ремейке «Великолепная семёрка» и других вестернах, так и в «Звёздных войнах». Всё дело в том, что Куросава затронул темы, актуальные во все времена.

К тому же режиссёр создал эталонную схему построения сюжета и раскрытия персонажей, которой пользуются до сих пор. В «Семи самураях» постепенно вводят важных действующих лиц, потом показывают их конфликты и попытки найти общий язык. Герои общаются с представителями другого класса, готовятся к главному сражению и, наконец, вступают в противостояние со злодеями.

Отсылки к такой последовательности событий можно найти в десятках картин: от советского фильма «В бой идут одни старики» до «Мстителей» от Marvel.

6. Психо

  • США, 1960 год.
  • Триллер, детектив.
  • Длительность: 109 минут.
  • IMDb: 8,5.

Мэрион Крэйн спонтанно крадёт на работе деньги и уезжает из города. По пути она останавливается в мотеле. Им управляет Норман Бейтс — приятный молодой человек, у которого очень странные отношения с матерью.

Альфреда Хичкока не зря называют мастером саспенса. «Психо» проложил дорогу целому направлению хорроров и триллеров, где мрачная атмосфера нагнетается с помощью крупных планов, теней и замедления темпа. Влияние фильма чувствуется и в «Сиянии» Стэнли Кубрика, и в «Солнцестоянии» Ари Астера.

Кроме того, «Психо» считают одним из прародителей кинематографических сюжетов с резким поворотом в финале, а также предшественником слэшеров — поджанра фильмов ужасов, в котором маньяк убивает подростков.

7. Восемь с половиной

  • Италия, Франция, 1963 год.
  • Драма.
  • Длительность: 138 минут.
  • IMDb: 8,0.

Режиссёр Гвидо Ансельми планирует снимать новый фильм. Всё уже готово к началу работы, но автор понимает, что разочаровался в жизни и находится в творческом тупике. Гвидо никак не может продумать будущую картину и часто погружается в фантазии.

Культовый фильм Федерико Феллини — настоящая ода воображению, разрушающая грани реальности. Режиссёр одним из первых отошёл от логичной, последовательной истории, позволив зрителю решать, что из показанного на экране происходит на самом деле.

Такая структура даёт автору больший простор для самовыражения. Благодаря этому фильму увидели свет многие картины Дэвида Линча, Даррена Аронофски и других независимых режиссёров, любящих сюрреализм и «логику сна».

8. 2001 год: Космическая одиссея

2001: A Space Odyssey

  • США, Великобритания, 1968 год.
  • Научная фантастика, триллер.
  • Длительность: 162 минуты.
  • IMDb: 8,3.

В доисторические времена чёрный монолит превращает австралопитеков в людей. Спустя миллионы лет человечество находит на Луне такой же камень, посылающий мощный сигнал куда‑то в район Юпитера. Туда и отправляется исследовательский корабль «Дискавери». Однако у бортового компьютера HAL 9000 есть свои инструкции.

Фильм Стэнли Кубрика стал прорывом в плане визуальных эффектов. Режиссёр очень щепетильно прорабатывал каждую деталь, даже использовал в съёмках модели кораблей разных размеров. В заключительной сцене, когда герой переживает психоделический опыт во время полёта, впервые применили новый приём: кадры снимали через узкую щель в заслонке объектива, а потом склеивали, создавая деформированное изображение.

Кроме того, Стэнли Кубрик выпустил фильм, совершенно нетипичный для фантастики. Это философская лента с неоднозначным сюжетом, который зрители могут трактовать по‑своему. Цитаты из «Космической одиссеи» можно увидеть в кино и по сей день. Например, в «Интерстелларе» или картине 2019 года «К звёздам».

9. Челюсти

  • США, 1975 год.
  • Ужасы, триллер.
  • Длительность: 124 минуты.
  • IMDb: 8,0.

Шериф местной полиции обнаруживает на берегу останки девушки, которую растерзала огромная белая акула. С каждым днём число жертв растёт, но руководство города не решается оповестить жителей об опасности. Тогда шериф объединяется с охотником на акул и океанологом. Вместе они хотят выловить чудовище.

Стивен Спилберг не был первым, кто снял фильм о жутких животных. Да и крутые спецэффекты создавали до него. Но всё же именно эта лента стала первым настоящим блокбастером. При бюджете всего 7 миллионов в прокате США она заработала более 200. После выхода «Челюстей» блокбастеры выделили в самостоятельный жанр: эти фильмы по задумке должны вызывать ажиотаж и собирать огромную кассу.

Однако заслуга Спилберга не только в этом. Настоящей революцией стал трейлер. Благодаря короткой версии картины потенциальные зрители смогли ощутить, что их ждёт в кино.

10. Звёздные войны: Эпизод 4 – Новая надежда

Star Wars. Episode IV: A New Hop

  • США, 1977 год.
  • Фантастика, боевик, приключения.
  • Длительность: 121 минута.
  • IMDb: 8,6.
Читайте также:  Аутизм у детей: симптомы, признаки, причины

Далёкая галактика страдает под гнётом жестокого императора и его сподвижника Дарта Вейдера. Сопротивление практически сломлено, но у повстанцев появляется новая надежда — молодой джедай по имени Люк Скайуокер.

Начинающий режиссёр Джордж Лукас собрал в картине множество традиционных сюжетов. Здесь есть отголоски фильмов Куросавы, вестернов, комиксов и даже «путь героя». При этом фильм подан в виде зрелищного блокбастера.

Лукас изобрёл новые приёмы съёмки, например, motion control — повтор движения камеры по одной и той же траектории. Это позволило сделать сцены с компьютерными эффектами более динамичными. Результатом стали зрелищные сражения космических кораблей, драки на световых мечах и множество причудливых роботов.

Ещё одна заслуга «Звёздных войн» в том, что они сделали фантастику более лёгкой и понятной для детей и подростков.

11. Охотники за привидениями

  • США, 1984 год.
  • Комедия, фантастика.
  • Длительность: 105 минут.
  • IMDb: 7,8.

Жители Нью‑Йорка всё чаще сталкиваются с призраками. А потому бороться со сверхъестественной угрозой начинают учёные‑энтузиасты.

В «Охотниках за привидениями» идеально сочетаются комедия, фантастика и даже ужасы, а действие развивается очень быстро. Это принесло успех и позволило заманить зрителей в пустующие летом кинотеатры.

Так через 10 лет после «Челюстей» появился первый «летний блокбастер», то есть лёгкий и позитивный фильм с яркими персонажами, динамичным сюжетом и морем юмора.

12. Криминальное чтиво

  • США, 1994 год.
  • Криминал, комедия.
  • Длительность: 154 минуты.
  • IMDb: 8,9.

Винсент Вега и Джулс Винфилд обсуждают личные дела, различия культур и божественное вмешательство. А заодно выполняют поручения своего босса Марселласа Уоллеса. В это же время боксёр Бутч сталкивается с самим главой мафии, пытаясь сбежать с договорного матча.

Вторая режиссёрская работа Квентина Тарантино — идеальный образец кино эпохи постмодерна. Достаточно простой сюжет подан нелинейно, а криминальные темы смешаны с многочисленными шутками. Но главное, фильм буквально набит цитатами и отсылками к классическому кинематографу.

Дело в том, что в молодости Тарантино работал в видеопрокате. Решив заняться режиссурой, он просто перенёс на экраны всё то, что любил сам. После него этот приём стал очень популярен, вспомним хотя бы сериал «Очень странные дела».

13. История игрушек

  • США, 1995 год.
  • Комедия, приключения.
  • Длительность: 81 минута.
  • IMDb: 8,3.

Игрушки Энди Дэвиса оживают, когда он уходит. Любимчиком мальчика всегда был механический ковбой Вуди. Но теперь в комнате появился модный астронавт Базз Лайтер и Вуди есть о чём беспокоиться.

Выход «Истории игрушек» в 1995 году стал революцией в анимации. Картина от компании Pixar была первым трёхмерным мультфильмом, полностью созданным на компьютере.

Кроме того, Pixar изменила подход к содержанию. Совершенно нетипичные персонажи доказали, что в полнометражных лентах можно обойтись без привычных диснеевских принцесс и песен. Сюжет «Истории игрушек» интересен и взрослым, и детям. Именно эта картина стала предвестником «Шрека», «Ледникового периода» и «Зверополиса».

14. Матрица

  • США, Австралия, 1999 год.
  • Фантастика, боевик.
  • Длительность: 136 минут.
  • IMDb: 8,7.

Томас Андерсон ведёт двойную жизнь. Днём он работает в самом обычном офисе, а по ночам превращается в легендарного хакера по имени Нео. Но однажды герой узнаёт, что весь привычный мир лишь компьютерная симуляция. Именно Томасу предстоит стать избранным, который спасёт людей от власти машин.

В фильме сестёр Вачовски собраны классические сюжеты киберпанка: сомнения в реальности мира, упадок общества на фоне развития технологий и многое другое. Однако «Матрица» сумела совместить их с крутым экшеном и восточными единоборствами.

Главным достоинством картины стали съёмки. Вачовски усовершенствовали и популяризировали технологию bullet time, позволявшую камере будто облетать замерших во время драки актёров. После выхода фильма подобные сцены часто стали использовать в блокбастерах.

15. Аватар

  • США, 2009 год.
  • Научная фантастика, боевик, приключения.
  • Длительность: 162 минуты.
  • IMDb: 7,8.

Джейк Салли — бывший морской пехотинец, прикованный к инвалидному креслу. Вместо брата он попадает на планету Пандора, где земляне добывают ценный минерал. Джейк учится переносить своё сознание в аватара — искусственное существо, выглядящее как местные жители на’ви. Но действия людей оборачиваются катастрофой.

До выхода фильма «Мстители: Финал» именно эта картина Джеймса Кэмерона оставалась самым кассовым блокбастером в истории. И это вполне логично. Во‑первых, Кэмерон развил технологию 3D, и зрители будто попадали на вымышленную планету.

А во‑вторых, он одним из первых смог создать на компьютере настолько реалистичную лицевую анимацию. Во время съёмок режиссёр в реальном времени видел, как будут выглядеть персонажи после программной обработки. Это позволило совместить живые человеческие эмоции и лица инопланетян. Теперь эту технологию часто используют в фантастическом кино.

Фильмы, которые изменили мир киноиндустрии

“Выход рабочих с фабрики Люмьер” был самым первым фильмом, когда-либо вышедшим на экраны.

Снятое братьями Огюстом и Луи Люмьер (Auguste and Louis Lumière) в 1895 году, это действие только называлось фильмом, потому что представляло собой чёрно-белые кадры, на которых сотрудники завода покидали завод в конце рабочего дня.

Продолжительность “фильма” – 47 секунд .

В те времена фильмы были настолько свежей идеей, что просто видеть что-либо на экране считалось почти волшебством.

Но с течением времени зрители и режиссёры хотели большего. Сегодня достижения в области технологий позволяют кинематографистам делать то, что ранее казалось невозможным.

К примеру, в фильме 2013 года “Гравитация” с Сандрой Баллок и Джорджем Клуни режиссёр Альфонсо Куарон (Alfonso Cuarón) использовал непрерывно движущуюся камеру, чтобы дать зрителю ощущение нахождения в космосе вместе с главными героями.

Актёры были привязаны к одному месту в течение нескольких часов, в то время как огромные светодиодные панели, окружавшие их, передавали особый свет. Это дало очень реалистичные изображения космонавтов, двигающихся в космосе.

Путь от рабочих, покидающих фабрику до “Гравитации” был очень длинным, и к прохождению пути приложили свои усилия огромное количество инженеров, изобретателей, кинематографистов, режиссёров, сценаристов и актёров.

Ниже представлен в хронологическом порядке список из 10 фильмов, иллюстрирующих этот путь.

Фильмы, изменившие мир кино

10. “Броненосец Потемкин” (1925)

Кто сказал, что пропаганда – это плохо? Этот маленький кусочек истории кино был создан, чтобы воздать должное первым русским революционерам, но попал под волну полного неодобрения.

Немой фильм рассказывает историю восстания 1905 года, когда российские моряки решили помешать тирании, творившейся на борту судна, однако были подавлены, когда плохие парни, в данном случае казаки, пришли искать возмездия.

История разворачивается в пяти действиях. “Одесские шаги” является наиболее заметным из пяти, выделенным режиссерами, учёными и любителями кино как важный прорыв в искусстве редактирования.

Сергей Эйзенштейн был одним из первых, кто использовал монтаж – редактирование серии кадров в нужной последовательности.

Это он проделал, создавая кульминационный момент разрушения, которое происходит, когда казачьи войска вторгаются в город, и одновременно с этим на экране показываются судьбы различных местных жителей и одного очень несчастливого ребёнка. (Сцену повторили в фильме 1987 года “Неприкасаемые”).

«Броненосец Потёмкин» был запрещён к показу в нескольких странах, в том числе, по иронии судьбы, и в Советском Союзе во время сталинской эпохи. Иосиф Сталин боялся, что фильм может спровоцировать бунт против его репрессивного режима.

До того, как появились Джейсон Борн и детектив Джон Макклейн, всеобщим героем был Бастер Китон (Buster Keaton). Он был крёстным отцом многих появившихся в последствии экранных героев. Звезда немого кино делал все свои трюки сам, начиная с непреднамеренного падения с лестницы в возрасте 6 месяцев.

Так или иначе, но Джозеф Фрэнсис Китон (Joseph Francis Keaton) оказался целым и невредимым, а Гарри Гудини, находившийся тогда поблизости, поднял его и сказал, что малыш самый настоящий бастер (“buster” синоним “fall” – падение)).

В отличие от сегодняшних актёров, большинство синяков Китона были сделаны для смеха. Он был одним из первых невозмутимых актёров, который никогда не показывал лишних эмоций, несмотря на разъярённые толпы хулиганов, следовавших за ним.

Он подготовил почву для широкого круга актёров, которые следовали его примеру, начиная от Билла Мюррея (Bill Murray) и Алека Болдуина (Alec Baldwin) и заканчивая Майклом Серой (Michael Cera) и Заком Галифинакисом (Zach Galifinakis).

“Генерал” – это Китон в своём лучшем проявлении. Он написал сценарий, снял и снялся в фильме эпохи гражданской войны.

В двух серьёзных сценах погони он продемонстрировал весь свой спектр талантов: перемещение между вагонами движущегося поезда, прыжки над пылающим мостом и уклонение от пушечного ядра.

Этот фильм был первым, который сломал звуковой барьер в кинематографе, открыв новые горизонты с помощью добавления диалогов в производство фильмов. Это был серьёзный прорыв, поэтому фильм заработал первую почётную награду Киноакадемии за технические достижения.

Warner Bros. Studios использовали тогда новую технологию под названием Vitaphone. Система “звук на диске” требовала, чтобы звукооператор синхронизировал граммофонные записи со звуками фильма с целью воспроизведения записанных диалогов и мелодий.

Это был робкий, но очень важный шаг. “Песни и несколько диалогов, созданные с помощью Vitaphone, были сделаны очень ловко”, – написали тогда в 1927 году New York Times в рецензии на фильм.

“Это очень амбициозный шаг, потому что Vitaphone невероятно оживляет фильм”.

Хотя Витафон и другие подобные технологии вскоре были заменены на усовершенствованные технологии “звук на плёнке”, они всё равно продолжали использоваться вплоть до 1940-х годов.

Если вы ещё не видели кричащую интерпретацию База Лурманна (Baz Luhrmann) “Великого Гэтсби”, то не стоит этого делать. Лучше проведите несколько часов с “Гражданином Кейном”. Это более приятный рассказ об американской мечте, частично основанный на книге о Гэтсби.

Данный фильм часто занимает первые строчки в списке лучших фильмов всех времён. “Гражданин Кейн” повествует историю о злополучных поисках славы издательского магната. Созданный Орсоном Уэллсом (Orson Welles) и Германом Манкевичем (Herman Mankiewicz), фильм рассказывает о жизни реально существовавшего медиа-магната Уильяма Рэнольда Херста (William Randolph Hearst).

Уэллс, помимо режиссирования фильма, ещё и снялся в этом кинематографическом шедевре, установив планку для создания фильмов ещё на пару ступеней выше.

Он использовал в фильме непоследовательные по времени действия, флэшбеки, чтобы захватить внимание зрителя, который до конца фильма остаётся заинтригованным последовательностью происходящего и ищет разгадку. Разгадку ищет и журналист, которому поручено выяснить смысл предсмертного слова Кейна – “розовый бутон”.

Самые важные фильмы киноиндустрии

6. “На последнем дыхании” (1960)

Именитые кинорежиссёры, такие как Уэс Андерсон и Квентин Тарантино, должны отдать должное Жан-Люку Годару (Jean-Luc Godard) и Франсуа Трюффо (Francois Truffaut). Эти титаны Французской Новой Волны задали курс своему “американскому потомству”, выпустив несколько самоосознанных фильмов, которые использовали новые методы, чтобы рассказать старые истории.

“Французская новая волна оказала влияние на всех кинематографистов, которые работали после, независимо от того, видели они этот фильм или нет”, – сказал Мартин Скорсезе. “Это абсолютное погружение в кино”.

Будучи главным фильмом Новой Волны, “На последнем дыхании” является самым известным среди киноманов из-за широкого использования в фильме другого уровня монтажа.

Годар под разными углами снимал один и тот же объект, чтобы показать течение времени. Такая техника также дала фильму остроту, с которой автор рассказывает в движении историю преступника (Жан-Поль Бельмондо) и его любовный интерес к героини Джин Сиберг (Jean Seberg).

С тех пор этот метод стал регулярно использоваться, чтобы придать фильму напряжённости. Любители гангстерского кино могут вспомнить, как Скорсезе использовал эту технику в заключительных сценах фильма “Славные парни”.

Итальянский культовый режиссёр Федерико Феллини создал (автобиографическую?) историю о затравленном продюсере, у которого возникли некоторые проблемы с получением разрешения на запуск своего последнего проекта.

Фильм – это сюрреалистические сочетания мечты, фантазий и реальности, которые переплетены таким образом, что зритель должен сам для себя понять, что есть что.

“8 ½” начинается со сна, в котором главный герой застрял в невероятной пробке, и он не может даже выйти из своего автомобиля. Тогда он начинает выплывать из авто прямо к облакам, однако обратно на землю его возвращает верёвка, привязанная к лодыжке.

Гвидо в своём уме побывал везде, пока проект его фильма лежал без дела. Кстати, название фильма – это количество работ, которых Феллини режиссировал или работал в паре с другими режиссерами.

Свободная форма фильма помогла будущим режиссерам вырваться из уз традиционной, линейной истории. Она открыла двери многим поколениям режиссеров – сюрреалистов, включая Дэвида Линча (David Lynch), Терри Гиллиама (Terry Gilliam), Даррена Аронофски (Darren Aronofsky) и Мишель Гондри (Michel Gondry).

Посмотрите после этого фильма “Черного лебедя” Аронофски или “Вечное сияние чистого разума” Гондри, и увидите насколько сильно влияние.

4. “2001: Космическая одиссея” (1968)

Один маленький шаг для человека, один гигантский скачок в области создания спецэффектов. Стэнли Кубрик заставил киноиндустрию переосмыслить грани возможного с его галлюциногенным изображением эволюции, двух обречённых астронавтов и говорящим компьютером по имени HAL.

Последствия того, что Стивен Спилберг назвал фильмы его поколения “большим взрывом”, до сих пор ощущаются в научно-фантастических кино, типа “Начала”.

Фильм продолжается два с половиной часа, диалогов же в нём на 40 минут. Кубрик в данном случае полагался в первую очередь на изображения, музыку и различные аудио эффекты, а также на проникающее молчание, чтобы направить зрителя на путь путешествия через космическое пространство.

Как и в “8 ½”, этот фильм ещё раз показал, что убедительный рассказ не обязательно должен разворачиваться в линейном порядке.

Настоящая ценность фильма заключается не столько в его истории, сколько в используемых визуальных спецэффектов. Эти техники с тех пор использовались в целом ряде научно-фантастических фильмов, начиная от “Звездных войн” Джорджа Лукаса и заканчивая “Чужим” Ридли Скотта.

“После “Космической Одиссеи” научная фантастика мертва”, – сказал Скотт, подразумевая, что все ему подражают. “Нет ничего оригинального. Мы всё это видели раньше, были там и сделали это”.

Этот фильм вышел в период подъёма Pixar. Без него не было бы ни “Корпорации монстров”, ни в “В поисках Немо”, ни “Вверх”, ни говоря уже об “Истории игрушек 2” и “Истории игрушек 3”.

Когда “История игрушек” дебютировала в 1995 году, было бы кощунством предположить, что два последующих анимационных фильма Pixar “Вверх” и “История игрушек 3” будут номинированы на Оскар, а “Вверх” будет выбран, чтобы открыть в 2009 году Каннский фестиваль.

В действительности “История игрушек” стала тем фильмом, благодаря которому в 2001 году в Академии кинематографических искусство и наук появилась новая награда на Оскар – “за лучший анимационный фильм”.

Этот маленький фильм открыл абсолютно новые грани кино. Он был первым, полностью созданным с помощью компьютерной графики (CGI). Сегодня эта практика повсеместно используется в киноиндустрии. Это также один из тех редких детских фильмов, остроумные диалоги которого адресованы как детям, так и взрослым.

Эта комбинация стала дорожной картой для Pixar, и помогла компании выручить 6 миллиардов долларов. До 2014 года вслед за “Историей игрушек” вышло ещё 10 фильмов.

Режиссёр Джеймс Кэмерон, выпустив фильм “Аватар”, установил новые стандарты для научной фантастики, смешав живое действие с компьютерными спецэффектами. Актёры делают свою работу в виртуальных 3-D мирах, чья яркость и уникальность буквально выскакивает с экранов.

Альтернативная реальность – это то, что ранее никто никогда не видел.

Среди нововведений, созданных для этого фильма, были захват движений персонажей – аватаров, который мог записывать выражения лица актёров, и камера, которая позволяла режиссёру в режиме реального времени видеть как персонажи – аватары (созданные на «основе» реальных актёров) взаимодействуют с виртуальными мирами.

Безусловно, история, рассказывающая о футуристической военной миссии США на планету Пандора, не настолько захватывающая драма, как, к примеру, “Гражданин Кейн”, но это ярчайший образец потрясающих визуальных эффектов.

Фильм вывел 3-D на совершенно новый уровень. Слишком рано говорить о долгосрочном воздействии этого фильма на научно-фантастический жанр, но можно с уверенностью сказать, что ничего подобного пока не было.

“Стыд” не похож ни на один фильм из данного списка. Это фильм о сексуальном преследовании.

Зрители будут прощены, если они захотят проверить это с выключенным светом и запертыми дверями, свернувшись в позе эмбриона и наблюдая за тем, как Майкл Фассбендер (Michael Fassbender) заходит всё глубже и глубже в кроличью нору в порыве бессмысленной физической близости.

Да, безусловно, убедительным и тревожным этот фильм делает игра Фассбендера. Однако, главная особенность данного фильма в том, что это первое кино NC-17 (no children-17), которое увидело широкий релиз в кинотеатрах по всему миру.

В этом смысле фильм можно сравнить с “Французской связью” 1971 года, детектив-триллер Джина Хэкмена (Gene Hackman), который является первым кино R-рейтинга, получившим титул “лучший фильм”.

Однако, на этом сходства заканчиваются. Герой Хэкмена видел то, что происходило вокруг него, но ему не довелось видеть ничего из того, что происходит в “Стыде”.

Добавить комментарий